martes, 8 de mayo de 2012

POESÍA POPULAR Y POESÍA CULTA


La poesía popular era oral. Podía ser lírica oral y narrativa oral. La lírica intentaba expresar sentimiento y emoción. Servía para acompañar situaciones cotidianas como las bodas, los bautizos, viajes, trabajo o velas (los centinelas en las murallas; los que vigilaban). 

La lírica procuraba expresar sentimiento con una lengua que no era real, era convencional. Se usaba la poesía trovadoresca provenzal (del siglo XII al XIV).

Con la poesía trovadoresca provenzal se inició un conocimiento de la métrica, la música y la retórica. Ésta poesía comenzó en Francia, y des de allí se exportaron las modas al resto de Europa. 
A partir de aquí se iniciaron los cancioneros, los cuales tenían un contenido moral e intentaban difundir noticias de la vida cotidiana de la época. Al no haber medios de comunicación, las noticias iban de voz en voz, y ésta era una de las mejores maneras de hacerlo.
Dentro de los cancioneros había lo que se llamaban cantigas d'amigolas cuales eran poesías cantadas cuya música y letra eran compuestas por los trovadores. Quien reproducía las cantigas eran los juglares, los cuales muchas veces también eran trovadores. 



El mester de clerecía era una forma de escribir en los siglos XIII y XIV. También era una forma de llamar a todos los manuscritos traducidos del latín al castellano por los clérigos. El nombre deriva de los clérigos, que principalmente escribían en latín, pero al ver que la gente no lo entendía, comenzaron a escribir en castellano. Se imitan los patrones de los modelos franceses. La métrica de los escritos de mester de clerecía deriva de estructura de la alejandrina. Consta de cuatro versos de catorce sílabas en cada estrofa y todo rima igual. Es una rima consonante. Ésta métrica se llama métrica de cuaderna vía.

Épica medieval: La existencia de una poesía épica de exaltación heroica y nacional ha sido una constante desde la Antigüedad en todas las civilizaciones. Sin embargo, la Edad Media fue la época dorada de la epopeya. En las recién nacidas culturas europeas proliferaron los cantares consagrados a las hazañas de nobles caballeros. La epopeya medieval refleja el afán de los pueblos europeos por crearse una identidad nacional, simbolizada por lo héroes antiguos. Las biografías fabulosas y conflictos de honor de los héroes son los temas de los cantares de gesta, que también servían para reforzar la estructura social feudal, al ensalzar a la nobleza dominante. Los cantares épicos, anónimos, son difundidos de forma oral por los juglares, por lo que no tenían una forma fija, y cada juglar los alteraba a su manera. Estas recitaciones gustaban tanto a los nobles, que veían reflejados en los héroes épicos sus propias virtudes, como al pueblo, pues suponían sus únicos ratos de diversión. Además, eran un medio de difusión popular de la Historia ya que, aunque con muchos elementos fantásticos, solían tener el punto de partida en algún hecho o personaje histórico, incluso sus datos se incorporaban a las crónicas históricas en prosa. 

Tanto en la lírica como en la épica los valores del héroe serán el honor, la caballerosidad con las mujeres, la capacidad para el amor, la religiosidad y la lealtad al señor y a la tierra. El personaje femenino en la literatura medieval será idealizado en el amor cortés, aunque históricamente vivan una discriminación constante fruto de la creencia de que eran inferiores al hombre. En cuanto al sentimiento religioso, impregna todas las letras del Medievo, como se aprecia en la aparición constante del tema del Más Allá y, consecuentemente, de la justicia divina, que preocupa bastante al hombre medieval.

La métrica es una disciplina que se ocupa de tres partes fundamentales:
-          Verso: cada línea del problema
-          Estrofa: conjunto de versos relacionados por la medida y por la rima. Suelen estar separadas por espacios en blanco
-          Poema: Es toda la composición poética forma por versos.

El lenguaje literario es un lenguaje especial donde predomina la función poética. Pretende crear belleza con las palabras. Para crear esta belleza utiliza diversos medios, como por ejemplo, las figuras literarias o retóricas (metáforas, paralelismos, aliteraciones…).



jueves, 19 de abril de 2012

EL HUMOR DE MIHURA


Mihura usaba tres estrategias distintas de humor: El de situación, El de caracteres y El verbal.
Naturalmente, los distintos tipos se hallan estrechamente relacionados.
Mihura se vale del humor para arremeter contra los tópicos y los estereotipos de la sociedad burguesa.

EL HUMOR DE SITUACIÓN
Muchas de las situaciones cómicas están emparentadas con el cine mudo, con juegos circenses o bien surgen a partir de la relación con un animal u objeto (la bota, el teléfono, el cornetín, la carraca,
Los sombreros de copa,  la liga, la pulga, los conejos…).
• Irrupción de personajes en la escena, en momentos impensados.
• Situaciones embarazosas:
-          Personajes que se esconden en un armario o debajo de la cama.
-          Don Sacramento se presenta sin avisar en la habitación de Dionisio.
• Presencia injustificada de animales:
-          Conversación telefónica de Dionisio, mientras una pulga le atormenta.
-          Los conejos del Cazador astuto
• Utilización inadecuada de los objetos:
-          Dionisio ausculta a Paula con el auricular del teléfono. Dionisio mira a
-          través del auricular, para “ver” quién llama.
-          Don Rosario toca el cornetín para que Dionisio se duerma.
• Reiteración de motivos, escenas simétricas (la bota, las lucecitas, los conejos).
-          Situaciones cómicas

El humor de caracteres
La comicidad de los personajes se deriva de su apariencia grotesca, de su indumentaria o bien de sus acciones y todo ello es inseparable de las situaciones que protagonizan.
• Madame Olga, la mujer barbuda
• Dionisio en pijama y sombrero de copa
• Don Rosario y sus cursilerías (mostrar las lucecitas del puerto, repartir confetti…)
• El Astuto cazador y sus conejos
• El Odioso señor  y sus regalos (la entrega y la retirada)
• Don Sacramento y su decisión de regalar los conejos muertos para sus sobrinos.
• La carraca en manos de Don Dionisio y Don Sacramento
• Se ha señalado el infantilismo de algunos personajes (Dioniosio, Don Rosario). El contraste entre su condición de “adultos” y su actitud infantil es una fuente de comicidad.

El humor verbal
La comicidad en los diálogos lleva la marca del vanguardismo de preguerra, marcado por la tendencia a lo irracional, a lo absurdo. Las conversaciones se llenan de ocurrentes y disparatados juegos de palabras.
• Enunciados que rompen la lógica de la experiencia:
-          “Primero quitó las moscas de la cocina y se las llevó al comedor…”
-          “¡Los centenarios no se mueren nunca! ¡Entonces no tendrían ningún mérito, caballero!”
-          “Dionisio dice “Nos iremos a Londres”. Paula le pregunta: “¿Tú sabes inglés?”. Dionisio le
replica: “No. Pero nos iremos a un pueblo de Londres.”
• Enunciados incongruentes o inaceptables semánticamente:
-          “Sí, me caso, pero poco…”
-          Fanny le dice a Dionisio que tiene “unos ojos muy bonitos” y éste pregunta: “¿En
dónde?
• Expresiones cursis para ridiculizar tópicos o costumbres noñas:
-          Los vocativos que Don Rosario dirige a Dionisio (“rosa de pitiminí, carita de madreselva…”)
• Empleo de la hipérbole y la caricatura:
-          “¡Los camareros tirarán migas de pan! ¡Y el cocinero tirará en su honor gallinas enteras
por el aire!”


Lo cómico y lo trágico
La comicidad también cumple la función de refrenar situaciones en las que destila lo lírico. Lo cómico sirve para aliviar la tensión sentimental.
Paula expresa sus sueños: ir juntos a la playa, jugar en la arena… El lirismo de sus palabras pierde intensidad por la actitud de Dionisio que está jugueteando con la carraca.
• Al comienzo del Acto II, Dionisio se da cuenta de que quiere a Paula. Esta evidencia queda mitigada por la presencia en escena de muchos personajes.
Paula ayuda a vestirse a Dionisio para la boda.
-          Dionisio.- ¡Paula! ¡Yo no me quiero casar! […] ¡Yo te quiero con locura!
-          Paula.- (Poniéndole el pasador del cuello.) Pero ¿estás llorando ahora…?
-          Dionisio.- Es que me estás cogiendo un pellizco…

El humor según Mihura
"El humor es un capricho, un lujo, una pluma de perdiz que se pone uno en el sombrero; un modo de pasar el tiempo. El humor verdadero no se propone enseñar o corregir, porque no es ésta su
misión. Lo único que pretende el humor es que, por un instante, nos salgamos de nosotros mismos, nos marchemos de puntillas a unos veinte metros y demos una vuelta a nuestro alrededor
contemplándonos por un lado y por otro, por detrás y por delante, como ante tres espejos de una sastrería y descubramos nuevos rasgos y perfiles que no nos conocíamos. El humor es verle la
trampa a todo, darse cuenta de por dónde cojean las cosas; comprender que todo tiene un revés, que todas las cosas pueden ser de otra manera, sin querer por ello que dejen de ser tal como
son, porque esto es pecado y pedantería. El humorismo es lo más limpio de intenciones, el juego más inofensivo, lo mejor para pasar las tardes. Es como un sueño inverosímil que al fin se ve realizado."
M. Mihura

martes, 17 de abril de 2012

Tres Sombreros de Copa

Tres Sombreros de Copa, fue escrita por Miguel Mihura en 1932, publicada en 1947, y finalmente estrenada en 1952. Mihura define su obra como "Lo inversosímil, lo desorbitado, lo incongruente, lo absurdo, lo arbitrario, la guerra al lugar común y al tópico, el inconformismo, estaban presentes en mi primera obra”.


Esta obra la relacionamos con la vida de Miguel Mihura, ya que en un viaje con una compañía cómica, Mihura se enamoró de una bailarina. Mihura rompe una relación amorosa con una novia, tras permanecer largo tiempo convaleciente.


La obra de teatro, está dividida en tres actos distintos.


Primer acto:La historia comienza en un la habitación de un hotel. La puerta de la habitación se abre y aparecen Dionisio y Don Rosario, tras una ridícula conversación, en la que hablan desde las luces que se ven del balcón de la habitación hasta la futura boda de Dionisio don Rosario se despide dándole las buenas noches a Dionisio, pero antes de irse don Rosario, Dionisio telefonea a su novia. Al quedarse solo, se entretiene jugando con los sombreros de copa que tiene para su boda de mañana. En medio del juego, entra Paula, gritando a Buby, que era además de su novio, su jefe, que estaba fuera de la habitación. Cuando por fin dejan de discutir, Paula inicia un interrogatorio sobre la vida de Dionisio, pero este le miente en todo, pues le dice que el es un malabarista que debutara con ellos al día siguiente en el Music Hall. Después del susodicho cuestionario, entra Buby. Con él se sostiene una ridícula conversación entre los tres. Durante toda la conversación esta sonando el teléfono, pero Dionisio no contesta porque sabe que es su novia y no quiere que los demás se enteren. Les interrumpen las demás chicas del Music Hall invitándoles a una fiesta en la habitación de al lado.


Segundo acto:
Están todos bailando y bebiendo en la fiesta. Cuando Dionisio decide irse por causa del aburrimiento. Paula intenta retenerle, pero Buby va detrás de Paula intentando detenerla, pues quiere conseguir dinero a costa de que sus bailarinas se acuesten con los caballeros de la fiesta y Paula era la única que estaba con Dionisio por interés mutuo, pues entre los dos había algo muy bonito. Finalmente, Buby convenció a Paula para que pasara el resto de la fiesta con el Odioso Señor, pero este hombre intento sobrepasarse, cosa que Paula no dejó. Cuando echó al Odioso Señor de su habitación, entró Dionisio, y continuó Paula con el interrogatorio que anteriormente había dejado a medias, pero Dionisio seguía mintiéndole, aún así, consiguió enamorar a Paula y cuando se estaban dando un fuerte beso, volvió a interrumpirles Buby, pero esta vez, golpeo a Paula en la cabeza y la dejo inconsciente tirada en le suelo. Dionisio recoge a Paula del suelo en el mismo instante en el que vuelve a sonar el teléfono, esta vez, si contesta porque se encuentra solo y nadie se puede enterar de que tiene novia. En la conversación telefónica, Margarita, su novia, le dice que su padre se dirige hacia allí, y allí aparece.


Tercer acto:
Tiene lugar otra estúpida conversación, esta vez entre don Sacramento y Dionisio. Don Sacramento tachaba a Dionisio de bohemio, y le advertía que si no se convertía en una persona honorable, no le dejaría vivir en su casa con Margarita. Al marcharse don Sacramento, sale Paula de su escondrijo, ya consciente y con conocimiento de la vida de Dionisio. Este se disculpo, diciendo que antes no la conocía y que ahora no se quiere casar con Margarita, sino con ella, pero ahora ya es tarde para retirarse, y se tiene que casar con Margarita. Paula lo acepta y le confiesa que esa es la razón por la que odia a las novias de sus amigos. Pero les vuelven a interrumpir, Don Rosario, pero antes de que entre, Paula se esconde detrás del biombo para que no se le vea. Cuando le avisan de que su coche ha llegado, tiene que irse y solo se puede despedir de Paula con la mano.




Los personajes principales de la obra son tres, principalmente:


Dionisio: Dionisio se presenta en la obra como un funcionario cursi, tímido, sin voluntad, aferrado a los convencionalismos sociales. Sólo aspira a un matrimonio también convencional. Nada más entrar Paula en su habitación Dionisio evoluciona vertiginosamente hasta encontrar dentro de sí mismo, no sin dejar de sentir miedo, un verdadero bohemio: “¡Yo nunca he sido tan feliz!”, “unas horas solamente todo me lo han cambiado” Quiere romper con la vida que le estaba destinada pero no tiene fuerzas para ello y cae en la desilusión de aceptar que ha sido vencido por la ignorancia de tantos años, víctima de una educación burguesa y timorata. Así, la evolución de Dionisio es circular, ya que vuelve a adoptar la misma actitud con la que comienza la obra al aceptar acudir a su boda con la hija de Don Sacramento.


Paula: (verdadera protagonista) Maravillosa muchacha rubia, de 18 años (aproximadamente, porque nunca dice su edad exacta, es mas, ni ella misma sabe su propia edad). Se presenta a Dionisio como bailarina del ballet de Buby Barton.
Es una chica sencilla, alegre y sincera. Tiene que aguantar su brutalidad y aceptar relaciones con odiosos señores. Aparentemente ingenua trata de transformar su mundo con su fantasía e imaginación para escapar de Buby y de lo que éste representa de servidumbre y vejación. Pero ella sabe que esto no es posible y acepta dejar las cosas igual que al principio. De Paula ha dicho el autor que ella únicamente se salva de todo lo ridículo, de todo lo imbécil que le rodea. Paula simboliza la libertad, los sueños, la poesía... Es la antítesis de Margarita y de todas las virtuosas señoritas que ésta representa.
Al final, tras la aparición de Don Sacramento, Paula se da cuenta de que Dionisio se va a casar. Entre ellos hay un diálogo en el que Dionisio expresa a Paula su deseo de no casarse, ya que ha descubierto que hay mujeres que “al hablar no les palpita el corazón, pero les palpitan los labios en un constante sonreír...” Pero esta escena culmina con la aceptación de ambos de que sus caminos son opuestos; no pueden cambiar sus destinos.
Paula, llena de ternura, ayuda a Dionisio a vestirse de novio, y le va hablando dulcemente para que Dionisio lleve a cabo sin remordimiento la decisión que ha tomado desde el principio: casarse con Margarita.


Buby: es el que dirige el ballet, Music Hall, representa un puente entre los dos mundos expuestos en la obra. Por una parte, es un tópico del mundo del teatro y la opereta, del mundo del bohemio. Pero por otra parte también tiene características del mundo convencional y burgués: la importancia que le da al dinero, como explota a las chicas de su ballet y otros...



Construcción teatral: las tres unidades clásicas
ACCIÓN --> El amor entre DIONISIO Y PAULA (dos mundos opuestos)


ESPACIO --> Habitación de un hotel (“en Europa, en una capital de provincia de segundo orden”.)
       - Dos puertas (acceso a dos mundos):
-                      -   La habitación contigua = Libertad, diversión. Aparecen Paula y los participantes de la                                        .          fiesta.
-       El Foro = Realidad. Aparecen Don Rosario y Don Sacramento.

TIEMPO -->UNA NOCHE. 9 horas. Desde las 22.30 hasta las 7.30.



domingo, 15 de abril de 2012

MIGUEL MIHURA (1905-1977)

Miguel Mihura Santos nació en Madrid (España) el 21 de julio del año 1905. Era hijo del empresario y actor teatral Miguel Mihura Álvarez.

Después de terminar sus estudios secundarios en el colegio de San Isidoro, abandonó su instrucción académica para dedicarse al dibujo humorístico en diversas publicaciones, como “Muchas Gracias”, “Buen Humor” y “Gutiérrez".
En esta etapa compartió viñetas y artículos con autores (todos ellos influenciados por Ramón Gómez de la Serna) como Antonio Lara “Tono”, Edgar Neville o Enrique Jardiel Poncela.
 
Su humor absurdo se manifiesta en su primera obra teatral, “Tres sombreros de copa” (1932), un texto que revoluciona el teatro español. Tanta es su audacia que no consigue estrenarla hasta los años 50.

A mediados de los años 30, Mihura comenzó a trabajar en el cine como guionista y dialoguista, debutando con el cortometraje “Una de fieras” (1934).
Su labor más recordada en la industria cinematográfica fue la escritura de los diálogos en “Bienvenido Mr. Marshall” (1953) de Luis G. Berlanga. También colaboró asiduamente con su hermano Jerónimo.

En los años 30 y hasta 1939 dirigió la revista “La Ametralladora”. Unos años después, en 1941, creó y también dirigió la mítica “La Codorniz”, en la que también escriben sus amigos Neville y Tono.
Junto a Joaquín Calvo Sotelo redactó la obra teatral “¡Viva lo imposible!” (1939), con Tono estrenó “Ni pobre ni rico, sino todo lo contrario” (1943), y al lado de Álvaro de la Iglesia escribió “El caso de la mujer asesinadita” (1946).

En 1952 por fin se estrena “Tres sombreros de copa”, obra protagonizada en su primera versión por Juanjo Menéndez, Gloria Delgado y Agustín González que conseguiría ser galardonada con el Premio Nacional de Teatro.

Posteriormente Mihura publicó “El caso de la señora estupenda” (1953), “Una mujer cualquiera” (1953), “A media luz los tres” (1953), “El caso del señor vestido de violeta” (1954), “Sublime decisión” (1955), “La canasta” (19559, “Mi adorado Juan” (1956), “Carlota” (1957), “Melocotón en almíbar” (1958), “Maribel y la extraña familia” (1959), obra por la que vuelve a lograr el Premio Nacional de Teatro, “El chalet de madame Renard” (1961), “Las entretenidas” (1962), “La bella Dorotea” (1963), “Milagro en casa de los López” (1964), “Ninette y un señor de Murcia” (1964), que ganó el premio Calderón de la Barca, “Ninette, Modas de París” (1966), “La decente” (1967) y “Sólo el amor y la luna traen fortuna” (1968).
Tras esta obra Miguel Mihura abandonó el mundo de la literatura. Cuatro años después recibiría el premio Cortina de la Real Academia Española. En 1976 fue nombrado académico.

Falleció el 28 de octubre de 1977. Tenía 72 años y su cuerpo fue trasladado para su entierro a San Sebastián, ciudad en la cual residió durante la Guerra Civil.

 


Cartas de Miguel Mihura

jueves, 8 de marzo de 2012

Los Corrales de Comedia (Almagro)

Actualmente, el estilo de teatro y el ámbito en el cual se representa, es muy diferente al de hace unos cuatro siglos aproximadamente. Para explicar esta evolución que ha tenido el teatro español nos remontamos hasta el siglo XVII. Cuyo siglo, llamado también “Siglo de Oro”, el teatro español tuvo un gran crecimiento donde se crearon muchas producciones teatrales, entre ellas “Los Corrales de Comedia”.

Hoy en día, aún conservamos algún Corral de la Comedia como

ahora “El Corral de Comedias de Alcalá” o “El Corral de Comedias de Almagro”, cuyo Corral es el más conocido de España. En estos corrales, los autores más prestigiosos del teatro español han presentado sus obras, como es el caso de Lope de Vega, Juan Pérez de Montalbán o Pedro Calderón de la Barca.

El Corral de Comedias lo ubicamos normalmente en los patios interiores de las casas de los vecinos del mismo pueblo. En estos, se había construido un escenario y había unos espacios para ubicar el público en una buena posición. Esta infraestructura se caracterizaba porque no tenía techo (solamente un pequeño toldo que cubría el escenario y a veces el público) y en el fondo del escenario había una gran tela que cubría la parte de detrás del escenario y los camerinos.


El escenario tenía tres pisos: En el de arriba de todo, había los personajes que simulaban estar en una casa, en el del medio es donde acostumbraba a transcurrir la escena y en la parte de abajo se reservaba para las representaciones donde aparecía Satanás y el infierno.

Según la condición social de cada uno, el público se ubicaba en distinto lugar:


- Los nobles y los ricos tenían reservadas las habitaciones de la casa que les permitía ver la representación sin ser vistos (estos palcos privados se llamaban Celosías y Aposentos).

- El pueblo observaba la escena desde el patio de pie, sentados en el suelo o en gradas.

- Otras localidades más importantes eran el Palco Real, ya que en algunos pueblos o ciudades, los reyes acudían frecuentemente en los Corrales y les tenían

un sitio reservado.

- Las Lunetas i las Medias Lunas eran otro tipo de localidad donde se sentaba gente de una condición social diferente.

- Los jefes de corral montaban la Alojería a veces, cuando había medias partes o antes de empezar la función. Consistía en un tenderete donde la gente co

mpraba algo de comida y bebida para la obra de teatro y también les vendían hidromiel (bebida a base de agua, miel y hierbas aromáticas).

Solamente se podían ampliar los corrales mediante la construcción de más pisos, ya que el patio tenía cuatro paredes, ergo, no se podía hacer más ancho.

En cuanto al Corral de Comedias de Almagro, tal como hemos dicho antes es el Corral de Comedias más famoso de España que aún conservamos.

En primer lugar, Almagro es una localidad situada en el Cam

po de Calatrava, concretamente en Ciudad Real, Castilla-La Mancha (España). Es un importante conjunto histórico-turístico de España, el cual, tiene uno de los corrales de comedia más importantes y más bien conservados de España.

El Corral de Comedias de Almagro está situado en un lugar muy céntrico de Almagro, concretamente justo al lado de la Plaza Mayor. Esta construcción se la debemos a Leonardo de Oviedo, que en el año 1628 pidió permiso al Ayuntamiento de Almagro para poder edificar un Corral de Comedias en el patio que tenía el Mesón del Toro. Leonardo de Oviedo durante el proyecto invirtió unos 5.000 ducados (una gran fortuna en este momento).

Anteriormente, el corral tenía una superficie de 622 metr

os cuadrados. Pero actualmente solamente conservamos 300 metros cuadrados.

En el año 1629, empieza la historia de este corral con la representación de la compañía teatral de Juan Martínez, pero setenta años más tarde los gobiernos ilustrados prohibieron los corrales de comedias, a causa la falta de higiene, el riesgo de incendio (porqué buena parte era madera), los desórdenes, etc. Además, la burgu

esía asistía cada vez menos en estos sitios porqué eran incómodos y empezaban a surgir las primeras representaciones meta teatrales, como es el caso de la Opera. Mediante esta prohibición una gran mayoría de los corrales no se destruyeron sino que se adaptaron y se le dieron otras funciones. El Corral de Comedias de Almagro, por ejemplo, pasó a ser una posada llamada “El Mesón de la Fruta”.

En el año 1950, es decir, dos siglos después aproximadamente, el dueño de la posada, que no conocía el origen del edificio, encontró una baraja de cartas del año 1715. Este caso

llegó hasta la Guardia Civil, la cual inició investigaciones acerca el origen del edificio. Finalmente, descubrieron que cuyo lugar podría haber sido un corral de comedias, ya que encontraron el escenario intacto y una parte del corral. Ergo, decidieron recuperar y restaurar el sitio, y tan solo dos años más tarde se reinauguró.

En la actualidad, este espacio se ha rehabilitado y se usa principalm

ente para poder organizar el “Festival de Teatro Clásico de Almagro”, mediante la concesión del Ayuntamiento de Almagro. Este festival es reconocido a escala internacional, el cual se celebra durante el mes de Julio. Durante el festival se representan distintas representaciones teatrales, pero siempre poniendo como centro del festival el Corral de Comedias, rememorando y homenajeando este conjunto histórico-artístico de la localidad.









EL TEATRO DE LOPE DE VEGA

Félix Lope de Vega y Carpio (Madrid, 25 de noviembre de 156227 de agosto de 1635) fue uno de los más importantes poetas y dramaturgos del Siglo de Oro español y, por la extensión de su obra, uno de los más prolíficos autores de la literatura universal.

El llamado Fénix de los ingenios y Monstruo de la Naturaleza (por Miguel de Cervantes) renovó las fórmulas del teatro español en un momento en el que el teatro comenzaba a ser un fenómeno cultural de masas. Máximo exponente, junto a Tirso de Molina y Calderón de la Barca, del teatrobarroco español, sus obras siguen representándose en la actualidad y constituyen una de las más altas cotas alcanzadas en la literatura y las artes españolas. Fue también uno de los grandeslíricos de la lengua castellana y autor de muchas novelas.


Lope de Vega consideraba que “Hay que dar gusto al vulgo”. Como consecuencia, empieza a pensar elementos para tener al público lo más entretenido posible, ya que si no les gustaba la obra podían tirar tomates, etc. Por lo tanto, su formula teatral se basa en:

- No tener escenas vacías, por tal no aborrecer al público

- Acción, se refiere a escenas con espadas, follones…

- Emocionante, no saber hasta en el último momento como va acabar la obra sorprendiendo de este modo al espectador.

- Incorporar a la escena a personajes cuotidianos, es decir, gente normal y rural. (pueblo sencillo y llano) y al propietario rico rural.

- Lope en sus obras no sigues las unidades del teatro clásico (lugar, tiempo y acción), es decir, la trama se desarrolla en muchos lugares distintos, desarrollar acciones paralelas y el tiempo de la obra puede pasar hace 5 años y luego volver a la actualidad…

- Detrás de cada principio, hay un principio de Aristóteles.

- Lope es el que instaura las obras en tres actos (planteamiento, primera escena; nudo, segundo acto; desenlace, tercer acto)

- Personaje del “bobo”, suele ser amigo o criado del galán, le gusta comer, le pasan cosas divertidas, hace bromas… (Ej: Sancho Panza). Ergo, mezclaba drama y comedia.


Fuento Abejuna” – LOPE DE VEGA.

- Personajes: galán y dama (pareja de enamorados), Comendador (poderoso), introduce un desajuste que rompe la harmonía en el pueblo.

- Alguien será el salva guardador del honor de la dama (personaje)

En este teatro se acostumbraba a disfrazar a la mujer de hombre con la finalidad de burlar a los padres para poder ver a sus amantes mediante la mentira.



EL TEATRO ESPAÑOL

La historia del Teatro Español hasta el Siglo de Oro se remonta al siglo XII. En el período comprendido entre los siglos XII y XV el teatro era casi puramente un teatro religioso e improvisado. A finales del siglo XV, bajo el reinado de los Reyes Católicos, aparece una generación de dramaturgos que forman el teatro real. Crean una forma dramática para dar expresión a sus inquietudes y preocupaciones y persiguen una finalidad estética.

Destaca Juan del Encina (1468-1529), "Patriarca del Teatro Español", como uno de los dramaturgos más conocidos de entonces. Su obra se reduce a una serie de églogas (eran composiciones amorosas entre pastores y en verso).

Otro autor importante de entonces es Fernando de Rojas, quien obtuvo un éxito fulminante con “La Celestina”, la cual se publicó por primera vez en 1499 como la Comedia de Calisto y Melibea. En 1502 apareció la segunda versión ampliada de la obra y se titulaba Tragicomedia de Calisto y Melibea.

En el siglo XVI Bartolomé de Torres Naharro, que convivió en Italia con la vida teatral y el estilo dramático italiano, introduce en España las teorías del Renacimiento Italiano. En su teoría dramática destaca la voluntad de sobrepasar los conceptos clásicos. En lugar de aceptar la tradición sin más, la acomoda a sus propias ideas y proclama la libertad creadora del autor.

El teatro español, más tarde adoptó la formula de Lope de Rueda, el cual vivió hacia el año 1545. Escribía y vivía del teatro y tenía una compañía teatral, una de las primeras en España. Con ella recorría la geografía española con su teatro ambulante y triunfaba en pueblos y ciudades. La intención principal de este autor era divertir con un gran repertorio de obras. Él no buscaba la perfección, como consecuencia improvisaba con frecuencia. Los temas eran predominantemente de la vida cotidiana y el lenguaje empleado muy popular.